Em formação

Estátua de um menino com espinho



Vasari, em sua biografia de Michelangelo, sugeriu que ele representou o ponto alto da realização artística desde o início do Renascimento. A opinião de Vasari foi confirmada, nos séculos após sua morte, pelo fato de que Michelangelo foi amplamente visto como um dos artistas mais qualificados e influentes na história da arte ocidental.

Hoje, Crouching Boy pode ser encontrado no Museu Hermitage em São Petersburgo, a única obra de Michelangelo na coleção do museu. É uma pequena peça inacabada, esculpida em mármore, medindo apenas 22 polegadas. (54 cm.) E mostra um menino, nu e agachado, talvez para cuidar do pé machucado. O corpo do menino é bem desenvolvido, com musculatura proeminente, e sua figura agachada sugere fortemente a força interna comprimida dentro dele.

A cabeça do menino está voltada para baixo enquanto ele se concentra em seu pé, alheio a tudo o que está acontecendo ao seu redor, e contribui para a sensação de tristeza e dor que a peça evoca.

No entanto, o trabalho permanece enigmático. Alguns estudiosos viram a peça como uma representação da alma não nascida, outros como um soldado ferido. Outros ainda interpretam o “Menino Agachado” como a personificação do Gênio ou do sofrimento do luto.

O menino agachado foi trazido para a Rússia por Catarina, a Grande (1729 - 1796), quando ela comprou uma grande coleção de antiguidades e outras peças do banqueiro e antiquário inglês John Lyde Browne (falecido em 1787).

Lyde-Browne foi um colecionador entusiasta de antiguidades e acumulou uma das maiores coleções da época, tendo visitado a Itália muitas vezes desde a década de 1750. Sua coleção estava em um estado de fluxo constante, pois ele negociava extensivamente esses objetos com outros colecionadores, bem como os colecionava. Sua casa em Londres servia tanto como showroom quanto como museu particular.

Catarina, a Grande, concordou em pagar cerca de £ 23.000 por cerca de 250 peças de Lyde-Browne em 1785, mas ele só recebeu o pagamento inicial de £ 10.000 como resultado da falência de seu agente em São Petersburgo.

Além de sua coleção de peças de mármore antigas, Lyde-Browne reuniu uma coleção de obras renascentistas. Entre eles estava um item descrito em um dos catálogos de suas coleções como “uma estátua inacabada de um menino removendo um espinho de seu pé, uma obra célebre de Michelangelo. O menino está nu e tem uma anatomia soberbamente representada. Diz-se que a estátua ficava antigamente na Villa Medici ”.

Em 1520, Giulio de 'Medici encomendou a Michelangelo o projeto de um cofre da família, que viria a se tornar a Sagrestia Nuova, dentro da igreja paroquial dos Medici, San Lorenzo. Os desenhos de Michelangelo, agora mantidos no Museu Britânico, sugerem que "Crouching Boy" deveria fazer parte de seu projeto para esta Capela Medici.

Em seu esboço preparatório de uma tumba de parede dupla para Lorenzo de 'Medici e seu irmão Giuliano de' Medici, Michelangelo incluiu duas dessas figuras agachadas. Teria sido apropriado para uma obra como o “Garoto Agachado”, com sua sensação de tristeza curvada, ter um lugar em tal esquema, mas os dois meninos agachados não foram incluídos em seu desenho final para o projeto.

Foi um projeto no qual Michelangelo teria um interesse pessoal. Foi Lorenzo de 'Medici que convocou Michelangelo para ser um membro de sua casa quando ele ainda era um adolescente. Como membro da família Medici, ele estudou com o famoso escultor Bertoldo di Giovanni e foi capaz de estudar as obras de mestres da Renascença como Giotto, Masaccio e Donatello e também as dos escultores gregos e romanos que estavam disponíveis para ele nos Médici coleção.

Foi também onde Michelangelo conheceu seus futuros patronos papais, Giovanni de 'Medici (Papa Leão X) e seu primo Giulio (Clemente VII).

Foi o primeiro projeto de Michelangelo no qual ele projetou a arquitetura da capela, as esculturas e os sarcófagos a serem instalados na capela, incluindo figuras que representam os quatro momentos do dia.

Embora o próprio edifício tenha sido concluído em 1524, o projeto sofreu uma série de interrupções, como o período de exílio dos Medici em 1527, a morte de Giulio de 'Medici (Clemente VII) e a realocação permanente de Michelango para Roma em 1534.

Nessa época, a maioria das estátuas havia sido esculpida, mas elas não foram instaladas até 1545 na ausência de Michelangelo. A obra foi finalmente concluída, novamente sem a presença de Michelangelo, em 1555.


Manneken-Pis: a verdadeira história por trás da estátua icônica

Manneken-Pis, literalmente "pequeno homem xixi", no dialeto holandês de Marols ou "le petit Julien", em francês, é um dos cidadãos mais famosos e amados de Bruxelas. Mas qual é a história por trás dessa figura icônica, embora pequena? Hoje em dia, a estátua se tornou uma espécie de clichê & # 8211recriada em camisetas e rótulos de cerveja em todo o mundo. Em suas origens, no entanto, o famoso Manneken-Pis é prático em seu propósito, com um pouco de capricho adicionado para uma boa medida.

A estátua do “menino que mijava”, como é comumente chamado, teve uma vida longa e nem sempre fácil, sobrevivendo ao bombardeio de Bruxelas em 1695 e a vários desgastes ao longo dos séculos. De acordo com os registros locais, a fonte, localizada no cruzamento da Rue de l & # 8217Étuve / Stoofstraat e Rue du Chêne / Eikstraat, foi usada já no século 15 para ajudar a distribuir água potável pela cidade.

Para os turistas, a estátua está no topo da lista de locais a visitar, mas para muitos locais o significado é muito mais profundo. Para alguns, a fonte passou a simbolizar um certo espírito de Bruxelas que é ao mesmo tempo constante, lúdico e altamente individual. Embora a estátua não seja mais usada para distribuição de água, ela passou a nutrir a cidade de uma nova maneira & # 8211 proporcionando entretenimento e diversão. Também lembra os residentes da rica história da cidade e da identidade em constante evolução.

Ainda hoje, e desde o século 18, a pequena estátua é vestida para marcar ocasiões especiais e festas. Você nunca sabe o que poderá encontrar “xixi de homem pequeno” disfarçado de na próxima vez que passar.

E quanto ao garotinho que serviu de inspiração para a estátua? É aqui que a lenda tende a ofuscar os fatos. Uma história afirma que a estátua é a imagem de um menino que salvou Bruxelas do incêndio e do desastre ao fazer xixi no estopim de um explosivo, outra história mostra o menino como vítima de um feitiço de bruxa, congelado no tempo como punição por fazer xixi em sua porta . Seja qual for o caso, a estátua provavelmente veio para ficar & # 8211 um alimento instantâneo para os muitos visitantes que visitam a cidade a cada ano e um bom lembrete de humor e história para os habitantes sortudos da cidade.


É este o Manneken Pis original?

O nome Manneken Pis foi mencionado pela primeira vez em arquivos que datam de 1452. Antes disso, ele se chamava Petit Julien e fazia parte de uma fonte pública na mesma esquina. A estátua de pedra foi substituída por uma escultura de bronze feita por Hiëronymus Duquesnoy, o Velho em 1619. Não se sabe se a réplica se assemelha à primeira, já que a original não foi preservada.

A estátua de Hiëronymus Duquesnoy foi destruída em 1817 e foi roubada por um ex-presidiário chamado Antoine Licas. Felizmente, as peças foram encontradas e coladas para fazer um molde para uma réplica.

A estátua atual foi feita em 1965, depois que Manneken Pis desapareceu novamente. Depois de vários meses, a estátua quebrada foi encontrada no canal de Bruxelas e atualmente reside na Maison du Roi na Grand Place.


Spinario, o menino com um segredo

Quem é o menino que as pessoas chamam de “Spinario”, sentado com as pernas cruzadas, inspecionando a sola do pé esquerdo?

Talvez ele seja o jovem Podalirius, filho do deus da medicina Asclépio.

Ou ele é Ascanius (Iulo, em latim), filho de Enéias e Creusa, o antepassado do clã Juliano do qual Júlio César e o imperador Augusto descendem?

Pode até ser o lendário menino pastor Gnaeus Martius - apelidado de “os fiéis” - que só depois de heroicamente entregar uma mensagem importante ao Senado Romano parou para remover uma farpa em que pisou durante sua jornada.

Quem quer que possa representar, muitos artistas, especialmente durante o Renascimento, usaram esta estátua de bronze - um presente do Papa Sisto IV para Roma em 1471, agora em exibição nos Museus Capitolinos - como seu "modelo", levando a uma longa lista de cópias que agora são exibidos em museus de todo o mundo.

O “Menino com Espinho” muito provavelmente é o trabalho de um artista grego do século 1 aC, e atualmente é considerado pelos especialistas mais conceituados como tendo sido feito por soldagem de várias composições pré-existentes.


The Making of Charles Ray’s & # 8220Boy with Frog & # 8221

Olhando para uma escultura gigante, muitas vezes me pergunto: como os artistas constroem criações tão massivas? Aqui está uma olhada na jornada, desde a concepção do artista até a porta do Getty Center, do que é maior que a vida Menino com sapo, que foi instalado ontem nas escadas do museu. Em exibição em janeiro de 2012, Menino com sapo continua uma série de instalações temporárias que se concentraram na arte contemporânea e sua relação com a missão do Museu.

Antes que esse jovem poderoso e inquisitivo pudesse plantar seus pés de fibra de vidro no travertino, Ray e fabricantes de arte especializados passaram anos construindo e montando a figura para acertar cada detalhe, desde as unhas dos pés do menino até as verrugas na rã-touro.

Menino com sapo em invólucros brancos durante a instalação ontem nas escadas do Museu no Getty Center

Um dia, há alguns anos, o artista procurou seu amigo Mark Rossi, o fundador da Handmade, uma instalação de fabricantes de arte, e disse que queria criar a escultura de um menino segurando um sapo.

Assim que o artista obteve as fotos que queria de um menino segurando um anfíbio vivo, as imagens foram digitalizadas e um modelo digital 3-D foi criado. Ray então se tornou um pouco como um escultor renascentista empunhando uma ferramenta de entalhe - exceto, em vez de um cinzel, sua equipe usou um software de modelagem para refinar os projetos da escultura. O software usa uma interface háptica que fornece feedback via toque e é tão preciso que também é usado na reconstrução dentária e cirurgia virtual.

O próximo passo? Este modelo digital foi usado para criar versões em escala da escultura em espuma de uretano. Outras iterações de Menino com sapo foram feitos em diferentes tamanhos e materiais ao longo dos anos para ajudar Ray a decidir sobre a escala e uma miríade de outros detalhes artísticos. Quando o artista estava pronto para criar a escultura final, Ray trabalhou novamente com Rossi e sua equipe de fabricantes qualificados. Eles fizeram moldes do padrão final para criar os dois componentes principais da escultura: fibra de vidro e aço.

Gerard Collier, um fabricante da Handmade, monta o braço em um dos padrões para Menino com sapo

Uma maneira de entender o Menino com sapoA construção é vista de fora para dentro: abaixo de uma camada de tinta branca está uma camada de fibra de vidro com um quarto de polegada de espessura, que se sobrepõe a uma armadura de aço inoxidável. Esta armadura percorre toda a extensão da escultura - desde o sapo até a planta de cada um dos pés do menino.

O artista Charles Ray verifica o ângulo de Menino com sapo durante sua instalação no Getty Center

Menino com sapo como instalado nas escadas do Museu

A versão particular de fibra de vidro de Menino com sapo instalado no Getty Center foi concluído em 2008 e, até recentemente, era uma instalação ao ar livre popular no museu Punta della Dogana de François Pinault em Veneza, Itália. Uma versão final da escultura idêntica em escala à aqui - exceto fundida em aço inoxidável - tomou o lugar de sua antecessora em Veneza.

Além de onde moram e do que são feitos, que outra grande diferença existe entre o par? Peso. A escultura de aço pesa 475 libras, 300 libras mais pesada que sua irmã gêmea.

Rossi disse que está honrado por ter trabalhado em uma escultura exposta no Getty: "Estar associado de alguma forma com isso é maravilhoso."


Pintado em 1810, Barker mostrou seu trabalho na British Institution no ano seguinte. O menino é mostrado sentado em um tronco para tirar um espinho do pé.

O tema de um menino que extrai um espinho de seu pé é antigo na arte, que teria sido reconhecido por um público do século XIX como uma referência a exemplos renascentistas e antigos. As cores pastel se combinam para criar um tom suave que transmite o sentimento do assunto. Essas pinturas de crianças eram populares do início a meados do século XIX.

Dado por Charles T. Maud, 1871

Re: Charles T. Maud: retirado de Paróquias de Somersetshire, um manual de referência histórica para todos os lugares do condado. 'Bathampton Charles Theobald Maud da Manor House, fazendeiro, criador de cavalos e colecionador de fotos. Left Harrow 1808-9. Bal. Col. Oxf. BA 1818. ' Maud também era prima de W J Broderip, o eminente naturalista, dono de 'The Hireling Shepherd' (Galerias de arte da cidade de Manchester), de William Holman Hunt. Maud originalmente encomendou uma réplica da ovelha no fundo deste trabalho, mas Hunt o convenceu a encomendar uma nova peça, 'Our English Coasts (Strayed Sheep)' (Tate Britain).

Significado histórico: presumivelmente, vendido English and Son, coleção J H S Piggott, 11 de outubro de 1849, (126, como 'Menino com um espinho no pé', tamanho dado como 45 x 52 polegadas), bt. Capitão Ford, £ 95.

A pose do menino é adaptada da famosa estátua clássica de bronze em grande escala chamada "Spinario", de um menino removendo um espinho da planta do pé. Este bronze está agora no Museu Capitolino, em Roma. Foi muito influente nos artistas da Renascença italiana e também foi muito copiado em vários meios de comunicação. Há, por exemplo, uma figura de faiança de Staffordshire de meados do século XVIII nas coleções V&A. Barker viajou para a Itália, chegando a Roma em 1790 e retornando à Inglaterra no final de 1793. Sua viagem para estudar as obras de arte da Itália foi financiada pelo empresário de Bath, Charles Spackman (1749-1822), que desejava promover o carreira do jovem artista (o 'Auto-retrato de Barker com seu preceptor Charles Spackman' está na Victoria Art Gallery, Bath).

A principal inspiração para esta pintura de Barker, no entanto, em termos de tratamento e sentimento do tema, são as pinturas de gênero do artista espanhol Bartolome Esteban Murillo (1618-1682), como os "Três meninos camponeses" do final da década de 1660 (agora na Dulwich Picture Gallery, Londres). Barker estava, sem dúvida, ciente da influência de Murillo em artistas britânicos anteriores, como Thomas Gainsborough e Sir Joshua Reynolds, em suas pinturas de crianças rústicas ou indigentes. Barker estava particularmente ciente das pinturas de Gainsborough, que também havia trabalhado em Bath, e seu Auto-retrato mencionado acima o mostra pintando uma paisagem no estilo de Gainsborough.

Este trabalho foi presumivelmente o que foi exibido na Instituição Britânica em 1811, (cat. No. 17, "Menino tirando um espinho do pé"), o tamanho dado no catálogo é de 73 por 66 polegadas, incluindo a moldura (o as medidas do quadro atual são 69 1/2 por 61 3/4 polegadas). Talvez tenha sido também o exibido na Instituição Britânica em 1822, como "Um menino extraindo um espinho de seu pé", tamanho 74 por 66 polegadas. A 'Instituição Britânica para a Promoção das Belas Artes sob o Patrocínio de Sua Majestade' foi fundada em 1805 e era um clube privado do século 19 em Londres formado para exibir as obras de artistas vivos e mortos. Ao contrário da Royal Academy, seus membros eram mais conhecedores do que artistas praticantes. Uma série de pinturas de Barker of Bath foram exibidas no B.I. durante sua vida.

Pintado em 1810, Barker mostrou seu trabalho na British Institution no ano seguinte. O menino é mostrado sentado em um tronco para tirar um espinho do pé.

O tema de um menino que extrai um espinho de seu pé é antigo na arte, que teria sido reconhecido por um público do século XIX como uma referência a exemplos renascentistas e antigos. As cores pastel se combinam para criar um tom suave que transmite o sentimento do assunto. Essas pinturas de crianças eram populares do início a meados do século XIX.

  • The Barkers of Bath. exh.cat. Bath: Museum Service, Bath City Council Gloucester: produzido por Alan Sutton Publishing, 1986, p. 35, cat. não. 31
  • Hunt, Tristram e Victoria Whitfield, Art Treasures in Manchester: 150 Years On, Manchester: Philip Wilson Publishers, 2007

Menino e a bota

  • Menino e a bota: Fresno, Califórnia
  • Boy and the Boot: Penrose, Colorado
  • Menino e a bota: Salida, Colorado
  • Boy and the Boot: Council Bluffs, Iowa
  • Boy and the Boot: West Union, Iowa
  • Boy and the Boot: Wichita, Kansas
  • Boy and the Boot (hospital): New Orleans, Louisiana
  • Boy and the Boot (pista de corrida): Nova Orleans, Louisiana
  • Menino e a bota: Houlton, Maine
  • Boy and the Boot: Menominee, Michigan
  • Menino e a bota: Helena, Montana
  • Boy and the Boot (interno): Ellenville, Nova York
  • Boy and the Boot (ao ar livre): Ellenville, Nova York
  • Boy and the Boot (interno): Sandusky, Ohio
  • Menino e a bota (ao ar livre): Sandusky, Ohio
  • Boy and the Boot: Wadsworth, Ohio
  • Boy and the Boot: Wellsville, Ohio
  • Boy and the Boot: Baker City, Oregon
  • Menino e a bota: Hershey, Pensilvânia
  • Menino e a bota: El Paso, Texas
  • Menino e a bota: Orkney Springs, Virgínia
  • Boy and the Boot: Wallingford, Vermont
  • Boy and the Boot: Stevens Point, Wisconsin
  • Menino e a bota: Winnipeg, Manitoba
  • Boy and the Boot: Lindsay, Ontário

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Moschophoros (criador de bezerros)

Moschophoros (criador de bezerros) é uma escultura em mármore da Grécia Antiga criada em 560 AC. Vive no Museu da Acrópole, na Grécia. A imagem é usada de acordo com o Educational Fair Use e com as tags Vac and Sculpture.

A Grécia Antiga amava os homens perfeitos. No período arcaico, todo um gênero de escultura foi dedicado a uma representação muito específica do corpo nu masculino. Kouros, que significa "jovem ou menino de posição nobre", as figuras eram esculturas formais, altamente estilizadas e independentes, quase mais parecidas com as representações egípcias antigas de faraós do que as expressivas posturas helenísticas que definiram a escultura grega nos séculos posteriores.

Este Kouros em particular, escavado nos escombros da Acrópole de Atenas, diverge do estilo comum. Ele tem barba, o que representa a maturidade, e usa um manto leve, a marca de um cidadão respeitável - e o mais incomum para sua época, esse homem está sorrindo. Esses detalhes, junto com uma inscrição dedicatória à deusa Atena, sugerem que este kouros foi feito com a imagem de um local rico chamado [Rh] ombos. Também incomum para a época, a base desta estátua foi assinada pelo escultor Phaidimos, que é considerado o primeiro escultor ático a assinar sua obra.

Mas o que há com a vaca? Muitos cultos religiosos na Grécia Antiga sacrificavam animais aos deuses. Kriophoros, ou 'portadores de carneiro', comemoram esses sacrifícios com figuras masculinas carregando o animal condenado nos ombros, como era o costume entre os pastores. Na maioria das vezes, ovelhas eram os animais de sacrifício, mas esse jovem touro quase certamente era uma oferta para ganhar as bênçãos de Atenas.


Jocko, o portador da lanterna: a verdadeira história por trás da estátua que inflama os negros

Você já se sentiu ofendido por jóqueis segurando lanternas encontrados situados em gramados nos subúrbios, pensando que eles são racistas? A maioria amontoou a estátua, conhecida como Jocko, com a caricatura da mamãe e se sente insultada quando encontra uma.

& # 8220Nós costumávamos chutá-los e tentar derrubá-los, atropelá-los & # 8221 disse Michael McBride de Too Black, Too Fast, que assumiu a causa de chamar a atenção para a história dos jóqueis negros por meio de sua arte.

Ele passou a contar a história do que a estátua realmente significa:

& # 8220Nós & # 8217 vamos ajudá-lo a dissipar o mito da estátua do jóquei. É chamado de & # 8216Story of Jocko. & # 8217 Jocko era o menino do estábulo de George Washington. Quando George Washington atravessou o rio Delaware, quando estava muito frio, ele junto com seus soldados, ele pediu a Jocko para ficar lá com uma lanterna e segurar os cavalos até que eles voltassem.

Eles acabaram ficando mais tempo do que pensavam que ficariam. Eles voltaram e Jocko ainda estava parado ali, congelado, ainda segurando os cavalos e ainda segurando a lanterna. George Wahsington ficou tão comovido que pediu ao artista para fazer uma escultura de concreto de Jocko e pediu aos amigos que fizessem essas coisas também.

Então, se você avançar para durante a ferrovia subterrânea, quando você for a uma casa que tinha esse jóquei lá e a lanterna estiver acesa, são as casas seguras para a ferrovia subterrânea. A falta de conhecimento nos fez pensar que era uma coisa degradante, mas não é. & # 8221

Talvez você já soubesse disso ou talvez não & # 8217 & # 8211 ou talvez não acredite, mas foi convincente o suficiente para eu ouvir histórias da história dos jóqueis negros, durante a época de Derby, de alguém tão apaixonado por isto. E há mais. Volte para uma visão aprofundada do papel que os negros desempenhavam no hipismo e como ele pode ser lucrativo, vindo diretamente de um ex-jóquei negro. -gerald radford


Onde espiritualidade encontra comércio

Para aqueles que não cresceram com o budismo Theravada no estilo tailandês - uma crença que entrelaça elementos do hinduísmo, religiões chinesas e adoração aos espíritos - a atmosfera em um simples templo tailandês pode parecer quase como um festival. No Wat Chedi, esse sentimento está no limite.

Em um canto do complexo do templo, os visitantes esfregam talco de bebê em um enorme tronco de madeira na esperança de que os números vencedores da loteria apareçam. Na porta ao lado, uma banda, contratada por alguém como um gesto de agradecimento, toca música country tailandesa. A cada duas horas, caixas de fogos de artifício são carregadas na carroceria de um caminhão, voltadas para uma montanha virtual de cinzas e papel carbonizado, e despejadas sem cerimônia e acesas, resultando em uma ejeção de fumaça e ruído semelhante a um vulcão.

Um funcionário gerencia o tráfego na entrada do Wat Chedi.

Grande parte do rebuliço em Wat Chedi tem um toque distintamente comercial. O complexo do templo inclui uma série de vendedores que vendem bilhetes de loteria, vários caixas eletrônicos e uma ampla praça de alimentação. Na entrada do Wat Chedi, há um estande onde os visitantes fazem fila para "alugar" amuletos oficiais do Egg Boy (embora estejam de fato fazendo uma compra, Thais usa esse termo para contornar a conotação problemática de possuir um objeto sagrado).

“As pessoas que vêm aqui têm todos os tipos de desejos diferentes”, disse Supachai. “Certa vez, entrevistei 100 visitantes desses, 60 queriam números da loteria, 20 queriam ajuda com o trabalho e os outros 20 queriam uma mistura de outras coisas.”

Andei pelo terreno do templo para saber em primeira mão o que as pessoas estavam pedindo do Egg Boy.

“Viemos aqui antes, três ou quatro anos atrás, e ganhamos os números da loteria”, disse uma mulher chamada Nun, que havia dirigido de uma cidade a três horas de distância com o marido e o filho. “Desta vez, estamos aqui para pedir um carro.”

“Meus parentes vieram aqui antes e ganharam algum dinheiro na loteria”, disse uma mulher que atendia por Diw. “Eu realmente não acredito nessas coisas, mas pensei em tentar.”

Boom, que havia voado de Bangcoc naquele dia, estava em sua segunda visita a Wat Chedi. Ele e seus amigos me mostraram seus amuletos e pulseiras.

O turismo de Wat Chedi também beneficiou outras áreas em Sichon, o distrito onde o templo está localizado. Acima, os visitantes do Egg Boy desfrutam de um popular local à beira-mar.

“Faço parte da Geração Y”, disse ele. “Estamos interessados ​​em amuletos, mas para nós não se trata apenas de acreditar que existem elementos de moda e status. Também é um investimento. ”

Mais tarde, fui ver Egg Boy pessoalmente. Eu escalei uma escada de mármore para um corredor que, em comparação com tudo o que estava acontecendo do lado de fora, era completamente silencioso e vazio. Poucas pessoas se ajoelharam diante da estátua que acreditava abrigar o espírito de Egg Boy. Manchado de fumaça, com manchas intermitentes de folha de ouro e uma postura contorcida, o garoto em tamanho real vestia uma versão de seriado infantil dos anos 80: uma camiseta branca com o nome do templo, jeans azul com punhos, um brilhante boné vermelho da Ferrari e óculos escuros.

Depois do cemitério de galinhas, a montanha de fogos de artifício, as bandas marciais e a praça de alimentação, as multidões massivas e os anúncios implacáveis, parecia que esse nexo espiritual minúsculo e obscuro tinha sido quase totalmente esquecido na pressa.


Assista o vídeo: menino e seu espinho no pé (Janeiro 2022).